巴黎很远 上海很近

这是我们离大师们最近的一次！

德加、米勒、莫奈、梵高、修拉、西涅克等大师原作经典近在眼前......

小央美—浦东美术馆奥赛展一日研学开始招募啦！！！

时间：10.5日上午08：00-16：30

一、招募对象

启东对艺术、美学、历史感兴趣的 5-16周岁少年儿童及其父母（父母可不参加）

二、研学费用

699元/人（含往返大巴、保险、美术馆门票、人工讲解、午餐简餐、水、授课费、研学手册、画材费）

父母或者成人499元/人（含往返大巴、保险、美术馆门票、人工讲解、午餐简餐、水）

三、活动流程：

四、必备物品

.身份证（儿童携带户口本）/手机、充电宝（成人）/少量零食

五、研学目标与收获

• 艺术启蒙：让孩子近距离接触世界级艺术瑰宝，初

步了解印象派艺术的特点，培养审美能力。

• 城市体验：感受国际大都市上海的城市脉搏与地标

景观。

• 亲子共成长：在共同探索和讨论中，增进亲子关系，

建立共同的艺术话题和美好回忆。

• 综合实践：锻炼孩子的观察力、表达力和规划执行

能力

六、温馨提示/注意事项

• 安全第一：全程务必牵好孩子，尤其是在人流密集

处。

• 灵活调整：此行程为理想规划，请根据孩子的体力

和兴趣随时调整。如果孩子累了，就适当减少观展时

间，多休息。

• 观展礼仪：提前教育孩子博物馆礼仪：室内轻声慢

行、不奔跑、不触摸展品、不开闪光灯拍照。

• 穿着建议：穿着舒适的鞋子和衣物，因为需要步行

和站立较长时间。

“生命是一场即兴创作”

“我不属于任何流派，我只想创造属于自己的艺术”

为什么叫缔造现代?

现代**艺术，是艺术家用全新的语言讲述“现代人如何看世界”的方式。而这个展览之所以取名为《缔造现代》，是因为它想讲述一个重要的事实：我们今天所说的“现代艺术”，并不是突然出现的，而是被一步一步创造出来的。

19世纪的法国，是艺术发生深刻变化的时期。从学院派的古典传统，到现实**、印象派，再到象征**、点彩画派、纳比派……这些风格的出现，并不只是画法变了，而是艺术家们在一步一步的重新思考：艺术应该表现什么？谁可以成为画的主角？画家到底要对世界说什么？

艺术不再只是服务于权力、宗教或理想，而开始表达个体的感受、时代的变化和社会的复杂性。这正是“现代”的核心意义。

这个展览不是在展示现代艺术已经是什么，而是带观众回到那个缔造的过程当中。每一个画家、每一个选择、每一种新的表达，都是“现代”的一次缔造。 缔造二字，强调这是一个不断挣脱旧规则、主动探索新世界的过程，这也正是这些作品和艺术家的价值所在。

奥赛博物馆是哪⾥?

如果把法国的艺术史比作一部史诗，那巴黎的三大美术馆——卢浮宫、奥赛博物馆和蓬皮杜中心，就是这部史诗的三大篇章。

卢浮宫

卢浮宫收藏的是从古代到19世纪中叶的艺术经典。从埃及雕像、希腊石柱，到达·芬奇、拉斐尔的杰作，这里像是一座艺术的王宫，讲述着人类文明的源起与高峰。

奥赛博物馆

接力棒交到奥赛博物馆手中，它专注于1848年 至1914年这一段动荡又辉煌的年代。在这里， 你会看到印象派如何用光与色改变了绘画的语言，看到城市与工业时代如何走进艺术家的画布。这 是艺术从传统走向现代的中场时刻。

蓬⽪杜中⼼

最后，是蓬皮杜中心。这里收藏的是20世纪至今的当代艺术。从毕加索到杜尚，从涂鸦到影像，它记录的是艺术如何不断突破边界，回应世界的 加速变化。

展览总述

这个展览以19世纪法国艺术为主线，通过两个楼层的空间，层层推进地展示了艺术从古典学院体制出发，如何逐渐挣脱传统规范，转向现实**、印象**，最终进入一个开放、多元、自我表达为核心的现代艺术格局。

在第二层，展览从“学院派”的宏大历史画与肖像画出发，强调艺术在19世纪上半叶如何受到制度化教育的塑造，如何追求形式上的完美与历史叙事上的崇高。这部分，你可以看到三个重要主题：宗教、历史与肖像，大多都有浓厚的古典**画法。

紧接着，“现实**”与“自然**”版块作为冲击主流的先锋，揭示艺术家如何开始关注当下的现实、劳动者的身体、日常生活的现场，这一部分为印象派的出现铺垫了题材与观察方式上的革新。在这里我们会看到展馆之宝，出现在我们美术课本上米勒的《拾穗者》。

而第三层的“超越印象派”恰恰提出了一个关键问题：印象派之后，艺 术何去何从？这个展览提出几种可能的答案，正是通过高更与梵高、蒙 马特文化、新印象派、纳比派这几个方向展开的。他们给出了四条路径，而这些路径也是通往现代的路径。

学院派：

文艺复兴以来古典**的践行者。

亚历山大·卡内巴尔

他是那个时代学院派最大的权威，把学院派的绘画技艺发挥到巅峰的那个男人。17岁进 入了巴黎学院，也是明星讲师，拿破仑三世的御用画家，见证了印象派崛起的学院派领袖。其代表作《维纳斯的诞生》正展出于学院派展厅的主要位置，这张画几乎是古典学院派的绝唱。

《维纳斯的诞生》相信我，每个人都应该立于原作前，好好感受其纯粹的、神性的美。

埃内斯特·梅索尼埃

19世纪法国学院派中的一位传奇人物。他是极少数以“小尺幅画作”成就大名的艺术家，以精细如微雕的画风和对历史场景的高度还原而著称。

《1814：法兰西战役》是不是很眼熟？我们都在课本里见过他的画。

现实**与自然**：

在19世纪中叶，法国艺术界发生了剧烈转变。第二展区呈现的正是这一变革时期艺术家们的努力与 探索。他们不再满足于学院派对理想化历史、神话、 贵族的追求，而是将目光投向现实生活中的普通人、 劳动者和自然风景，追求对真实世界的忠实描绘。 这个展区在整个展览结构中起着承上启下的作用： 它一方面延续了第一展区“美的无限形式”中的绘 画技法与对形象再现的严谨态度，另一方面又打破 了学院艺术的题材限制，为印象派新绘画的诞生铺 平了道路。可以说，现实**是现代艺术的起点， 而自然**则是通往印象**的过渡之桥。

让·弗朗索瓦·米勒

出生于法国诺曼底的一个农民家庭，亲身经历了乡村的苦劳与质朴，这使他的艺术深深扎根于农民的日常生活。

《拾穗者》第二展厅的C位作品。其题材和内核决定了他几乎就是现实**的代表作。

新绘画与印象派：

经过现实**和自然**，绘画的主题得到解放， 从神走向人，然后走向日常的人，也走向风景， 绘画的方式也由室内走向室外，也积累了很多新 的现代的审美理念。但还有两个重要的人，才能真正拉开新的大门：马奈与德加。 之后印象派真正来了。他们不再满⾜于再现外部世界的清晰轮廓，⽽是试图捕捉光线的跳动、空⽓的流动和内⼼的瞬间感受。但这不是终点，印象派也在最后遭遇了自己的危机……

马奈与德加

他们是19世纪法国艺术史上最重要也最复杂的“双子星”。他们都不是传统学院派，也都不完全属 于印象派，但又深刻地影响并参与了印象派的崛起。

《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》德加孤僻、敏感、 尖刻，像一位不信任任何人的聪明观察者，习惯站在门口“听屋内的谈话”。

可以说，每一个科班出身的美术生都画过这张画中的人物——他太经典了，我第一次看到原作时，几乎是抱着一种朝圣的心态。

《女人和扇子》马奈外向、自信、开放，带着挑衅性的优雅，是沙龙里的绅士，一直追求主流的认可。从这幅画里，你也能看到马奈和德加不一样的性格，此画笔触松散大胆，色彩明亮，对比强烈，和学院派的精细画作相比，仿佛未完成的草稿。平涂、大色块，不加调和的这种笔触直接影响了之后印象派的画法。

你从他们的画中能明显看到两个人的性格，一个对象是直视你的， 一个是旁观者的状态，画家似乎悄悄躲在门边。

印象派：莫奈，⻄斯莱，毕沙罗

印象派大家再熟悉不过了，他的故事也被讲了太多次。它得名于莫奈的画作《日出·印象》，原本是批评家用来贬义称呼这群“没画完”的画家，结果他们却欣然接受，并自此名留艺术史。

它为什么这么重要，因为它从学院派，从权威中找到了自己，它首次系 统挑战权威体制，拒绝官方沙龙，开设“落选者沙龙”。

并且，它开创了现代艺术的序幕，印象派终于相信我们眼睛看到的：光，时间，颜色的变化，我们眼睛感受到的，就是真实的。对后来的塞尚、 梵高、马蒂斯乃至抽象派都产生深远影响。如果说刚刚马奈把现代** 的锁打开了，而印象派合力让这扇门彻底敞开。

《夏末的干草堆》莫奈，印象派之父。这是一个一辈子和光打交道的男人。莫奈1840年出生于法国西北沿海城市勒阿弗尔，家中经营粮食和杂货生意。15岁时，他靠画讽刺漫画赚钱，每张卖到20法郎，直到他遇到一个重要的人欧仁·布丹，这是第一个带他到户外写生的人，布丹告诉他：“天空永远不是一成不变的蓝色，大自然每天都在变。”这句话深深影响了莫奈一生。

《冬日里村庄一角的红色屋顶》毕沙罗是印象派的长者，比莫奈大了10岁，甚至比马奈还要年长。所以在这个组织里，他一直承担着一位长者的角 色。 虽然毕沙罗不像莫奈那样以炫目的色彩著称，但他是印象派 团体最团结、最无私的存在。在印象派内部多次出现分歧时，是他调停各方矛盾。他被称为“印象派的良心”，也深受年 轻艺术家敬仰。 塞尚就称毕沙罗为“像父亲一样的人”，连叛逆的高更也曾寄居在毕沙罗家中，向他学习绘画技巧。

超越印象派：梵高与高更

终于进入到这次展览的明星人物，高更和梵高。 这两个人看什么？大家记住一个观点：他们突破了印象派的局限，引导艺术从“感官”走向“内在精神”与“形式革新”，开启了现代艺术的新阶段。是印象派之后最重要的转折点。那两个人是如何把内在精神融入到画作中的呢？

高更

他选择的武器是象征与原始精神。 他强调线条与色彩的象征意义，不再忠实再现自然色彩，而是将色彩作为表达内心世界的符号工具，用大胆、纯粹的色块营造情绪。

《塔希提妇女》画中两位塔希提女性，一个穿红裙子、 一个着蓝黄纱笼裙，安**在地面，一 人神情内敛，低头沉思；一人眼神飘忽。背景呈现出一种静谧、凝重的氛围。这是高更理解的逃离文明，回归自然的理想化的生活，这是内心的期待。至于真实？看起来很像的那种真实，已经不重要了。

梵高

他的画面全都是内心的情感，过于炙热，过于浓烈，是危险的，也是迷人的。梵高将自然景物转译为内心状态的图景。《星夜》的旋涡、《麦田与乌鸦》的焦灼，皆为情绪的形象化表达。他将粗犷的线条与旋动的笔触赋予节奏，对比色在他笔下激烈碰撞，他把色彩变成了痛苦、希望、孤独的象征。

读懂梵高的画，最好的方式是读梵高的故事，然后去理解这颗天才敏锐的、痛苦的内心。你带着这样的背景再看画，便可以共情。

《自画像》画面中的梵高正面凝视观众，表情略显坚毅，略微扬起的眉毛和紧闭的嘴唇暗示着某种内在的紧张。他身穿 一件带着深蓝调的外套，背景则是旋涡状的绿蓝色笔触，看似无序却充满动感。整个画面被密集的短小笔触覆盖，笔笔有力，色彩对比强烈。

《梵高在阿尔勒的卧室》创作这幅画时，梵高刚经历与高更的分裂以及割耳事件不久，精神开始动荡。他在写给弟弟提奥的信中说，这幅画“表达的是休息、平静、安宁。”但正是这种刻意的平静，透露出更深的紧张与孤独。

新印象派：修拉及其艺术团体

新印象派强调色彩与光线的科学，采用点彩法(也叫分色法），把颜色 分解成纯净的小点或短线，依靠观者的视网膜在视觉上混色。这种方法基于当时的视觉生理学与光学理论，例如谢弗勒尔的色彩对比理论。

印象派追求瞬间印象与主观感受，新印象派则尝试引入更结构化、严谨的构图与绘画逻辑，强调画面的“组织性”，如修拉对透视、人物 安排的几何化控制。

乔治·修拉（1859–1891）是新印象派的创始人，也是点彩画法的奠基人。 他用一种近乎科学的方式，将色彩与形式组织进画面，在短暂的32年生命里，开启了现代绘画新的篇章。 他极为严谨克制，被朋友称为画家中的修道士 ，修拉非常少言寡语，生活简朴，作画方法近乎科学实验。他常在夜晚作画，白天研究光学理论。

《模特背影》修拉是该时期画面技法上难以超越的代表人物，毫无疑问的色彩与光的大师。本次只有这一张小幅作品参展，千万不要因为他小就走马观花哦！

以上所有图片仅供参考。图片无法展现原作的气质和美、完全无法再现其原作给予人的触动与思考。